16 marzo, 2026
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Curso
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El curso de Fotografía y Derechos de Autor, coordinado por el profesor del departamento Pedro Vicente-Mullor y organizado por el Máster en Fotografía, ofrece una formación especializada y práctica en derechos de propiedad intelectual aplicados a la fotografía, con el objetivo de proporcionar las herramientas necesarias para proteger, gestionar y explotar legalmente el trabajo creativo desde una perspectiva tanto artística como económica.
El curso combina clases teóricas con un enfoque eminentemente práctico, orientadas a adquirir nociones jurídicas básicas que permitan al alumnado comprender el marco legal que regula su actividad profesional y defender el resultado de su esfuerzo intelectual. No se trata únicamente de conocer la normativa, sino de aprender a aplicarla en situaciones reales vinculadas a la práctica fotográfica contemporánea.
Uno de los objetivos fundamentales del curso es también el desarrollo de competencias profesionales transversales, especialmente en el trabajo en equipo. El curso ofrece una visión integral de la amplia red de derechos que confluyen en torno a una imagen fotográfica —derechos de autor, derechos de imagen, uso de contenidos de terceros,marcas, entre otros— proporcionando al alumnado el conocimiento especializado necesario para actuar con seguridad jurídica en su práctica profesional.
Diseñado para adaptarse a las necesidades reales de los estudiantes, el programa está orientado a facilitar su aplicación inmediata en el desarrollo de su actividad artística y profesional, garantizando un aprendizaje útil, actualizado y directamente vinculado al contexto contemporáneo de la fotografía.
| Horario |
Lunes 4 mayo de 16:00 a 19:30 horas
Miércoles 6 mayo de 16:00 a 19:30 horas
Jueves 7 de junio de 16:00 a 19:00 horas |
| Lugar de impartición |
| Aula A-4-7 de la Facultad de Bellas Artes |
Inscripciones:
https://www.cfp.upv.es/formacion-permanente/curso/fotografia-i-drets-d-autor_103398.html?idioma=es
10 marzo, 2026
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Exposiciones
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ELS ALTRES LLIBRES
Col·lecció de Llibres i Publicacions d’Artista Universitat Politècnica de València (UPV)
Entre el 11 de marzo y el 18 de abril de 2026 se celebra en la Sala Coll Alas de Gandía, la exposición Los otros libros (Els altres llibres), una muestra dedicada a la Colección de Libros y Publicaciones de Artista de la Universitat Politècnica de València.
La exposición está dirigida y coordinada por el director de la Colección, Antonio Alcaraz, en colaboración con varios comisarios especialistas en libro de artista, obra gráfica, fanzines, fotolibros, libros intervenidos, revistas ensambladas, ilustración y tipografía móvil: Hortensia Mínguez, Paco Collado, Pedro Vicente, Carles Méndez, David Heras y Marcela Verónica Gómez. La muestra propone un recorrido por distintas formas de entender el libro más allá de su función convencional, revelando su potencial como objeto artístico, dispositivo narrativo y espacio de experimentación material y conceptual.
Más información:
Nota de prensa
10 marzo, 2026
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Exposiciones
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Ramón Gil Alcaide. València 1950. Llicenciat en Belles Arts. Doctor en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València. Professor Titular de la Facultat de Belles Arts de Sant Carles de València.
«La meua activitat professional sempre ha estat vinculada a l’ensenyament i la pràctica de la creació artística. Dibuixar, escriure, pintar continuen semblant-me hui, tot i el llarg camí recorregut, un univers màgic per explorar. El fet de situar-me davant d’un paper o una tela en blanc posa en acció una trobada amb el més genuí i valuós que m’habita com a ésser humà i com a artista.
És aquesta disposició íntima i compromesa per expressar, mitjançant la pintura, els meus CARDIOGRAMES el que em guia en un intens viatge cap a l’interior, que transcendeix el purament estètic. És el valor principal d’aquests llenços que vull presentar a Ca Revolta. Són imatges revelades d’un plànol del tresor que parlen del meu amor per la pintura i del meu profund respecte pel seu poder plenament viu de commoure’ns en el silenci de la contemplació.»
Més informació:
Inauguració: dimarts 10 de març de 2026 a les 19.30 h. Es podrà visitar fins al 3 d’abril de 2026. Primera planta.
3 marzo, 2026
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Exposiciones
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La exposición NA‑INMENSO. La palabra en el arte se presenta en el Centro CooLabora, en Covilhã, Portugal, del 5 de marzo al 5 de abril de 2026, mostrando los resultados del proyecto internacional que destaca el valor social del texto escrito como punto de partida para la creación artística. La muestra evidencia cómo palabras nacidas de experiencias reales pueden transformarse en obras artísticas y convertirse en un medio para visibilizar la situación de mujeres vulnerables. El proyecto, reconocido por el Ayuntamiento de Valencia en 2024, articula creación y mediación social a través de talleres desarrollados por las asociaciones CooLabora (Covilhã) y Alanna (Valencia), donde los textos producidos por las participantes son descodificados por las artistas en un proceso que combina la narración y la expresión. Comisariada por Victoria Esgueva López y Susana García Rams, la exposición reúne a veinte artistas de Portugal y España.
La muestra unifica los formatos en un conjunto de veinte dípticos sobre tela. Aunque las creadoras provienen de disciplinas diversas —pintura, escultura, diseño, poesía visual, grabado, animación, dibujo, artes performativas, instalación y nuevas tecnologías—, esta convergencia aporta una riqueza plural al confrontar distintas miradas desde lo multidisciplinar.
Las autoras participantes del Departamento de Dibujo son: Amparo B. Wieden, Chele Esteve, Susana G. Rams, María Martín Gallego, Horte Mínguez, Ana Tomás.
Más información:
Lugar: CooLabora, CRL — Intervenção Social
Rua Comendador Marcelino, 53
6200-020Covilhã PT
Página web
3 marzo, 2026
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Premios
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El proyecto de Luz Moya Ibáñez, ‘Disseny d’un joc de pinzells adaptats a persones amb paràlisi cerebral’, ha sido premiado con la Distinción al Diseño Social 2026 de la Fundació del Disseny de la Comunitat Valenciana. Un trabajo de fin de Grado en Ingeniería en Diseño Industrial y Desarrollo de Productos tutorizado por Cristina Planells y Patricia Rodrigo, profesoras del Departamento de Dibujo en la ETISADI-UPV. El proyecto diseña un sistema de pinceles que mejora la autonomía y la experiencia creativa de personas con parálisis cerebral, demostrando cómo el diseño de producto puede generar impacto social tangible desde la empatía y la investigación aplicada.
24 febrero, 2026
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Taller
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MANOS EN ACCIÓN: Arte gráfico y sostenibilidad social. Sensibilización de la colectividad en contextos educativos para una ciudadanía creativa, inclusiva y sostenible.
Un proyecto de GLOCAL 2026
MANOS EN ACCIÓN se articula como un conjunto de talleres y acciones educativas que promueven el pensamiento artístico en contextos escolares, invitando a los participantes a mirar más allá de lo literal y a comprender el arte como una herramienta de expresión, reflexión y cohesión social. El proyecto se desarrollará en distintos centros educativos, adaptando las actividades a cada nivel formativo y fomentando la implicación activa de estudiantes, docentes y agentes sociales. Con ello, el proyecto refuerza la dimensión ecológica y comunitaria que caracteriza a la convocatoria GLOCAL, promoviendo una ciudadanía creativa, crítica e inclusiva.
Liderado por la estudiante de doctorado Lucía Cervantes, coordinado por las profesoras del Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes, Ana Tomás y Chele Esteve y con la colaboración de las estudiantes Paula Clar y Celia Verdú, MANOS EN ACCIÓN: Arte gráfico y sostenibilidad social se enmarca en el programa GLOCAL 2026 del Centro de Cooperación al Desarrollo (CCD) de la Universitat Politècnica de València (UPV). La iniciativa, orientada a fortalecer la conexión entre la universidad y su entorno, impulsa propuestas que fomentan la participación comunitaria, la creatividad y la transformación social desde una perspectiva sostenible.
Más información:
Nota de prensa
18 febrero, 2026
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Exposiciones
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Paisatge entròpic explora entornos marcados por la transformación, el desgaste y la irreversibilidad del tiempo: espacios industriales, periféricos o abandonados donde el caos y el residuo revelan nuevas formas de lectura estética. Desde la noción de entropía —entendida como desorden y cambio—, el proyecto se aproxima a estos lugares como territorios subversivos que, lejos de desaparecer, adquieren un valor visual y patrimonial renovado.
La propuesta se articula a través de composiciones (a)simétricas que buscan el equilibrio en la tensión y la desigualdad visual, generando imágenes dinámicas que remiten tanto al lenguaje fotográfico como al pictórico o al dibujo. Aunque la fotografía documenta el estado actual de fábricas, puentes, viaductos, chimeneas o depósitos, la obra se expande mediante recursos plásticos y materiales industriales que evocan plantas arquitectónicas y funcionan como marcos tridimensionales para imágenes en soportes translúcidos, en ocasiones retroiluminados.
El trabajo de Antonio Alcaraz pretende concienciar sobre el valor estético y social de la arquitectura industrial, un patrimonio frecuentemente amenazado por intereses económicos y procesos de transformación urbana. El registro fotográfico se convierte así en memoria y testimonio de estos espacios en riesgo de desaparición. Desde su formación en Bellas Artes, se siente interesado en reinterpretar la dureza estructural de la industria y conferirle una dimensión plástica y sensible. La arquitectura industrial se presenta entonces como un paisaje en continua reconstrucción, donde los grandes complejos fabriles —ya sin función o a punto de perderla— emergen como protagonistas de una narrativa visual sobre el tiempo, la materia y la ciudad.
Antonio Alcaraz posee una dilatada trayectoria de exposiciones y su obra está presente en relevantes colecciones de museos e instituciones.
La galería Cànem suma esta nueva propuesta a “Pintures, dibuixos, obra gràfica“ (2001) y “Carbó i acer, poètica d’una memòria” (2012), junto con la presencia de piezas significativas en diversas ediciones de ARCO y ARTSLibris.
La última exposición individual a la galería Cànem “Cuando el paisaje estremece” se realizó en la primavera de 2022 dentro de IMAGINÀRIA 2022#Photography Festival.
Más información:
Nota de prensa
Invitación
17 febrero, 2026
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Colección
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Leku por Javier Pastor: esculpir el espacio a través de la luz, la materia y la calma
Leku (“lugar” en euskera) se construye a partir de dos enfoques diferentes, pero con un espíritu único. Inspirada en la obra del escultor vasco Eduardo Chillida, esta colección de mesas de comedor y de centro juega con conceptos como el vacío, el tiempo y el territorio. ¿Cómo? A través de formas y materiales evocadores.
Las mesas de comedor ovaladas y redondas lucen tableros de cristal fundido ovoides que descansan sobre robustas patas de sapeli con certificación FSC. El cristal texturizado refleja el paisaje, invitando así al entorno a participar de este interesante diálogo entre opuestos: vacío y volumen, luz y sombra, textura y suavidad. Cada mesa Leku es una escultura habitable, un lugar para la celebración.
Por otro lado, las mesas de centro Leku tratan de crear un ambiente más íntimo. Sin renunciar al espíritu arquitectónico y escultórico de la colección, el propósito de las mesas auxiliares Leku es menos grandioso y más fiel a su esencia: una acompañamiento sin pretensiones.
La estructura de chapa de aluminio, que evoca el trabajo de Chillida con el acero, brota como una vieja raíz de la tierra, llena de recuerdos y esa serenidad que solo poseen las cosas antiguas. El vidrio fundido capta la luz y la devuelve en leves susurros. Arte, arquitectura, artesanía, diseño… todo se une en Leku.
Paz, serenidad, un refugio necesario en este mundo desenfrenado. La belleza del diseño y la belleza de un paisaje natural. Eso es el auténtico lujo. Germen, desarrollo y conclusión de este nuevo catálogo de exterior 2026. Nos vemos al otro lado de la frontera.
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Nota de prensa
2 febrero, 2026
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Premios
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El catedrático del Departamento de Dibujo en el área de Diseño de la Universitat Politècnica de València, Gabriel Songel, ha sido seleccionado por segundo año consecutivo entre los 100 mejores diseñadores de juegos de mesa de 21 países. Este reconocimiento le va a permitir participar en la Convención de Inventores de Juegos de Mesa, Game Inventors Convention, de la Feria Internacional del juguete de Nuremberg 2026
La Feria del Juguete de Nuremberg es la feria más importante del sector juguetero en el mercado internacional, junto a las ferias de Nueva York y Hong Kong. Es visitada por 60.000 profesionales de 125 países y se presentan una media de 70.000 novedades anualmente.
Songel ha sido elegido en el top 100 de diseñadores europeos de juegos de mesa gracias a la serie de juegos de ingenio Innivity, que diseñó en el año 2020 y que fue producida por la spin off de la UPV Innoarea Design. La serie presenta la novedad de combinar juegos de ingenio con cartas y juegos de mesa de manera que puede jugarse de forma individual o colectiva. En la edición de este año se presenta “Arts, Bugs and more” un puzle creativo de 12 piezas iguales que permite configurar letras, números, logotipos, mascotas, arquitecturas, bichos y pequeñas obras de arte basadas en geometrías moduladas.
Es otra contribución de la investigación en diseño básico a la tendencia ya consolidada de educación llamada STEAM (Science, Technology, Engineering, Art and Mathematics).
Este proyecto es el resultado de una investigación sobre juegos de ingenio basados en principios de diseño básico que inició el profesor Songel hace 15 años, en colaboración con Juegos Cayro de Denia, de la que surgió un modelo de utilidad y varios artículos de investigación. Algunos de los resultados de esta colaboración fueron fabricados posteriormente por diferentes compañías y han estado en el mercado más de 10 años.
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Nota de prensa Arts & Bugs
2 febrero, 2026
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Evento
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El viernes 13 de febrero a las 11:30 h contaremos con Carmen Nácher para la próxima MDI Talk de este curso. En esta charla, titulada «Más es más en la tipografía expresiva», nos enseñará su proceso creativo a la hora de realizar diferentes trabajos tipográficos, desde sus fuentes de inspiración, generación y desarrollo de ideas, hasta las artes finales y presentación de los diferentes proyectos. También indagará en la influencia que tienen sus diferentes inquietudes e intereses en su trayectoria laboral.
Carmen Nácher (València, 1989) es una diseñadora gráfica valenciana actualmente viviendo y trabajando en Barcelona. Su trabajo se enfoca en la tipografía expresiva y en el modelado en 3D. Ha trabajado con clientes como Fendi, Swatch, Koto Studio y &Walsh.
Tras acabar sus estudios de diseño gráfico en València, Carmen se mudó a Alemania donde estuvo viviendo y trabajando durante 11 años como diseñadora gráfica, primero como empleada en estudios de diseño y posteriormente como diseñadora autónoma. Carmen le da una gran importancia a la exploración personal en diferentes ámbitos del diseño, lo cual ha hecho que prácticas que empezaron como un hobby, como la tipografía experimental, hayan acabado siendo la base de muchos de sus trabajos, tanto para grandes empresas como para otros artistas, diseñadores y colectivos independientes.
¡Os esperamos!
Más información:
Viernes 13 de febrero · 11:30 h
Aula B.0.2 · Facultat de Belles Arts
Acceso libre hasta completar aforo
